Negli ultimi giorni son rimasto molto colpito dal divampare di numerose polemiche sotto l'opera "Madonna del Soldo" di Elena Cermaria  buffo vedere come nel 2012 continuino polemiche e discussioni vecchie come l'uomo ed idee di prevaricazione di una religione sull'altra come se si fosse ancora nell'anno 1000.

Le intolleranze, religiose o meno, le ho sempre trovate abbastanza ridicole nel loro stesso essere, mi sembran tanto dei bambini che litigano... io son meglio di lui perché si, perché si e basta! Tutta questa faccenda mi ha fatto tornare in mente una vecchia leggenda che avvolge uno dei Papi più interessanti della storia della chiesa, Sisto V, quel Papa Sisto che non perdona va manco a Cristo e che nel 1585 prendeva egli stesso a colpi d'ascia un crocifisso nella basilica di Santa Maria Maggiore! Che si direbbe oggi di un Papa simile?

Magari lo metteremmo al rogo ripristinando la pena di morte per gli eretici ed i blasfemi! ...chi glielo avesse detto che quasi 500 anni dopo il suo gesto sarebbe stato giudicato in maniera addirittura più offensiva che dai suoi contemporanei... Quanto stavano avanti!

Ad ogni modo andiamo a veder chi é stato Sisto V

Sisto V, nato Felice Peretti sovrano dello Stato Pontificio dal 1585 alla morte, (avvenuta soli 5 anni più tardi)

Fu un papa severo e autoritario; e cercò subito appena eletto di eliminare il malcostume, la corruzione e il brigantaggio che avevano raggiunto limiti non più tollerabili nella Roma di fine cinquecento, anche per non favorire le critiche della riforma protestante che vedeva in una chiesa eccessivamente tollerante dei vizi e del malcostume un ulteriore motivo di vantarsi della riforma appena intrapresa.

Nello stesso tempo decise di modernizzare Roma e intraprese grandi lavori urbanistici. Egli sembra non avesse particolare devozione per le opere antiche: le colonne di Traiano e Marco Aurelio vennero usate come piedistalli per le statue di San Pietro e San Paolo; la Minerva del Campidoglio venne convertita in "Roma Cristiana"; il Septizonio di Settimio Severo venne demolito per i suoi materiali da costruzione. Al contempo decretò il completamento della cupola di San Pietro e mille altri lavori.

Somme immense furono utilizzate in opere pubbliche e ciò che Sisto V ottenne nel suo breve pontificato, con il fondamentale supporto tecnico del suo architetto Domenico Fontana - e facendo saccheggiare a man salva, alla ricerca di marmi preziosi e lavorati, i monumenti antichi - ha dell'incredibile: il completamento della cupola di San Pietro; la loggia di Sisto o delle benedizioni a San Giovanni in Laterano; la cappella del SS. Sacramento (anche detta Cappella Sistina o del Presepe) a Santa Maria Maggiore; le aggiunte e le riparazioni al Palazzo del Quirinale, al Laterano e al Vaticano; l'erezione di quattro obelischi, compreso quello in Piazza San Pietro; l'apertura di sei strade; il restauro dell'acquedotto di Settimio Severo ("Acqua Felice") con la mostra finale della fontana del Mosè; oltre a numerose vie e ponti, un tentativo di prosciugare le paludi pontine, e l'incentivazione dell'agricoltura e della manifattura. Inoltre integrò Borgo (sino a quel tempo autonomo) come quattordicesimo rione nella città di Roma.

Si deve a Sisto V il primo progetto di sistemazione urbanistica della città di Roma moderna

Le condizioni terribili in cui Gregorio XIII aveva lasciato gli stati ecclesiastici richiedevano misure pronte e decise. Contro la prevalente assenza di legge, Sisto procedette con una severità quasi feroce, che solo le necessità estreme potevano giustificare.

Sisto morì solo 5 anni più tardi tra le esecrazioni dei suoi sudditi, ma i posteri lo riconoscono come uno dei più grandi Papi di sempre. Era impulsivo, ostinato, severo e autoritario, ma la sua mente era aperta e di larghe vedute. Si dedicò alle sue imprese con una energia ed una determinazione che lo portarono spesso al successo. Poche persone possono vantare imprese o conseguimenti più grandi.

Va menzionata una leggenda secondo la quale Sisto V venne a sapere che c'era un crocefisso che sanguinava; lui allora, recatosi sul posto, prese una scure e spaccò il crocefisso, dicendo "come Cristo ti adoro, come legno ti spacco". Ed in effetti sembra che si trovassero all'interno spugne intrise di sangue. Questa leggenda ispirò al Belli il sonetto romanesco "Papa Sisto"

E comunque dal papa "rugantino" e "tosto" gli ebrei romani, contro i quali aveva particolarmente incrudelito il feroce domenicano già inquisitore Pio V Ghislieri, ottennero grazie alla bolla Christiana pietas, infelicem Hebreorum statum commiserans, grandi alleggerimenti del regime vessatorio a cui erano sottoposti ormai da decenni.

Un'altra curiosità che lega Sisto V alla "vulgata" romana: con la sua riforma delle tasse, non fidandosi dei funzionari locali, il papa reclutò suoi fidati compaesani marchigiani per esercitare il mestiere di esattori. Nacque per tale motivo il famoso detto, ancora oggi presente nella memoria dei romani:

 L'articolo "il mercato dell'arte o l'arte del mercato..."  postato poco fa da Domenico Olivero  mi ha fatto tornare in mente un paio di interviste che avevo visto solo qualche settimana fa e che avevano colpito la mia attenzione, erano entrambe interviste a galleristi italiani presenti quest'anno al VOLTA ed allo SCOPE di New York.

Divertente era stato l'osservare quante volte nei due brevi video i vari galleristi avessero usato la parola "interessante" ;)

Spot, titoli di film e crediti, tablet, PC, smartphone, espositori pubblicitari sugli schermi televisivi…il Motion design è già presente in tutte le parti della nostra vita. 

Eppure, non esisteva ancora un luogo dedicato a celebrarlo, da oggi invece c'è e sta a Parigi, si chiama Motion Plus Design

Affascinato dal video introduttivo mi sono infilato all'interno del loro sito scoprendo chi sono e di cosa si occupano

"Motion Plus Design" Center : "What is Motion Design ?" from Motion Plus Design on Vimeo.

Articolo di Aurora Bergamini per ANSA

ALBI (FRANCIA) - E' tutto reinventato, rinnovato e più grande, dotato delle funzionalità e tecnologie più moderne: dopo oltre dieci anni di lavori costati 38 milioni di euro il museo dedicato all'opera del pittore Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) a Albi, sua città natale, classificata patrimonio mondiale dell'Unesco e situata nel sud della Francia, vicino a Tolosa oggi teatro del drammatico eccidio alla scuola ebraica, che riaprirà i battenti il 2 aprile.

Accoglie circa 1000 opere dell'artista, di cui 215 dipinti, tutti i 31 manifesti prodotti e i disegni preparatori - la collezione più importante al mondo - per la maggior parte donate dalla madre, la contessa Adele de Toulouse-Lautrec "desiderosa di perpetrare la memoria del figlio". Il museo si trova dal 1922 all'interno del Palazzo Berbie, una fortezza del XIII secolo, che fu la residenza dei vescovi della città, situata a due passi dalla famosa Basilica di Santa Cecilia, che è la più grande costruzione in mattoni del mondo, i cui affreschi sulle volte furono realizzati da artisti bolognesi durante il Rinascimento.

"I lavori erano necessari: c'erano infiltrazioni d'acqua dalle vetrate, alcune sale non erano riscaldate, mancavano le adeguate condizioni per la visita e la sicurezza - spiega all'ANSA la conservatrice del museo Daniele Devynck - Lo studio di architetti parigino Dubois et Associes ha vinto l'appalto grazie a un progetto che riusciva a integrare elementi ultra moderni e valorizzare al contempo la caratteristiche storiche del palazzo". Il maxi cantiere è cominciato nel 2001 e si è appena ultimato: il museo tuttavia non è mai stato chiuso eccetto negli ultimi tre mesi. Tra le prodezze tecniche della ristrutturazione, gli ascensori sono stati inseriti nelle torri dell'edificio, facendo spazio tra gli oltre cinque metri di mattoncini, mentre gli scavi hanno fatto venire alla luce i magnifici pavimenti medioevali e i restauri della galleria d'Ambrosie ne hanno resuscitato gli affreschi rinascimentali. "Visitare il museo Toulouse-Lautrec è anche riscoprire il Palazzo Berbie, con la sua architettura e la sua storia, medioevale e rinascimentale", osserva il sindaco di Albi, Philippe Bonnecarrere.

"Il percorso espositivo è cronologico e tematico", prosegue la Devynck - Si parte dalle opere del giovane Toulouse- Loutrec fino a quelle tardive, tra cui l'ultimo dipinto 'Un examen a la faculte' de Mediciné del 1901". L'artista si era avvicinato alla pittura e al disegno da ragazzino, come passatempo e consolazione a causa della sua picnodisostosi, una malattia ossea di natura ereditaria, dovuta alla consanguineità dei genitori che erano cugini di primo grado, che lo bloccava la maggior parte del tempo a letto. Ben presto l'arte diventò una vera e propria passione. Tra le sale dedicate ai temi centrali della sua opera ci sono quella dei ritratti (tra cui spicca quello della madre), delle case chiuse ('Au salon de la rue des Moulins' e 'Marcelle' la sua prostituta preferita), delle star delle notti parigine (Jane Avril e Yvette Guibert), dei manifesti pubblicitari (Ambassadeurs, Moulin Rouge) e delle litografie di cui era un vero maestro. Il percorso Toulose-Lautrec si inserisce in un contesto più ampio, con una sezione dedicata a suoi amici e conoscenti (Leon Bonnat e Fernard Cormon), o maestri, come Edgard Degas; c'é poi un intero piano che presenta opere di arte moderna (Pierre Bonnard, Henri Matisse e George Rouault) e per finire una piccola collezione di arte antica con 'La chiesa di Santa Maria della Salute' di Francesco Guardi.

Presto in mostra La restauratrice, 'E' stata la mia ossessione'

Article by Moussemagazine 

“Ritual without Myth” is an exhibition that considers the potential of ritual as a catalyst for transformative experience. Curated by the graduating students of MA Curating Contemporary Art at the Royal College of Art, the exhibition features the work of ten international artists, currently emerging to wide critical acclaim.

Featured artists – Danai Anesiadou, Asco, Erick Beltrán, Lygia Clark, Joachim Koester, Patrizio Di Massimo, Ioana Nemes, Ocaña, Amalia Pica and Yeguas del Apocalipsis

Preview – March 8, 2012, 7 to 9pm

at The Royal College of Art Galleries, London

until March 25, 2012

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Above – Yeguas del Apocalipsis, Refundación Facultad de Artes Universidad de Chile [Re-founding of the Faculty of Arts, University of Chile], 1989. Courtesy: the artists and Pedro Lemebel Archive

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Amalia Pica, Final de Fiesta, 2005. Courtesy: the artist, Gallery Diana Stigter, Amsterdam and Herald St, London

Erick Beltrán, Perikhórein Knot, 2011, installation view, 11th Biennale de Lyon. Courtesy: the artist

Ioana Nemes, The white team (Satan), 2009. Courtesy: Jiri Svestka Gallery, Prague

Joachim Koester, To navigate, in a genuine way, in the unknown necessitates an attitude of daring, but not one of recklessness (movements generated from the Magical Passes of Carlos Castaneda), 2009. Courtesy: the artist and Nicolai Wallner Gallery, Copenhagen, Denmark

Patrizio Di Massimo, Turandiade Buzziana (in forma di note) [Buzzi’s Turandot (In the Shape of Notes) ], 2011. Courtesy: the artist

Proposta choc di 'Gherush92', organizzazione di ricercatori e professionisti consulente speciale con il Consiglio Economico e Sociale delle Nazioni Unite: "Contenuti razzisti, islamofobici e antisemiti. Giovani costretti ad apprezzare un'opera che calunnia il popolo ebraico"

Roma, 12 mar. (Adnkronos) - Stereotipi, luoghi comuni, contenuti e frasi offensive, razziste, islamofobiche e antisemite che difficilmente possono essere comprese e che raramente vengono evidenziate e spiegate nel modo corretto. E' il contenuto di alcune terzine della Divina Commedia che, secondo 'Gherush92', organizzazione di ricercatori e professionisti che gode dello status di consulente speciale con il Consiglio Economico e Sociale delle Nazioni Unite e che svolge progetti di educazione allo sviluppo, diritti umani, risoluzione dei conflitti, razzismo, antisemitismo, islamofobia, andrebbe eliminata dai programmi scolastici o, quanto meno, letta con le dovute accortezze.

''La Divina Commedia - spiega all'Adnkronos Valentina Sereni, presidente di Gherush92 - pilastro della letteratura italiana e pietra miliare della formazione degli studenti italiani presenta contenuti offensivi e discriminatori sia nel lessico che nella sostanza e viene proposta senza che via sia alcun filtro o che vengano fornite considerazioni critiche rispetto all'antisemitismo e al razzismo''.

Sotto la lente di ingrandimento in particolare i canti XXXIV, XXIII, XXVIII, XIV. Il canto XXXIV, spiega l'organizzazione, e' una tappa obbligata di studio. Il personaggio e il termine Giuda e giudeo sono parte integrante della cultura cristiana: ''Giuda per antonomasia e' persona falsa, traditore (da Giuda, nome dell'apostolo che tradi' Gesu')''; ''giudeo e' termine comune dispregiativo secondo un antico pregiudizio antisemita che indica chi e' avido di denaro, usuraio, persona infida, traditore'' (De Mauro, Il dizionario della lingua italiana). Il significato negativo di giudeo e' esteso a tutto il popolo ebraico. Il Giuda dantesco e' la rappresentazione del Giuda dei Vangeli, fonte dell'antisemitismo.

Anche i sodomiti, cioe' coloro che ebbero rapporti "contro natura", sono puniti nell'Inferno: I sodomiti, i peccatori piu' numerosi del girone, sono descritti mentre corrono sotto una pioggia di fuoco, condannati a non fermarsi. Nel Purgatorio i sodomiti riappaiono, nel canto XXVI, insieme ai lussuriosi eterosessuali.

articolo apparso su Adnkronos

Pigmento dietro un Vasari ha composizione simile al nero della Gioconda

FIRENZE - Clamorosa scoperta nella 'caccia' alla Battaglia di Anghiari, capolavoro perduto di Leonardo: un campione di colore nero trovato dietro un affresco del Vasari a Firenze ha composizione chimica compatibile con il nero usato nella Gioconda e nel S.Giovanni Battista al Louvre. Lo rende noto il direttore della ricerca Maurizio Seracini.

Dietro la parete est del Salone dei 500 di Palazzo Vecchio a Firenze c'é un vuoto che cela un muro preesistente e sul quale si vedono macchie di colore nero, rosso e beige attribuibili alla Battaglia di Anghiari, l'affresco perduto di Leonardo da Vinci. Emerge dai risultati del team diretto da Maurizio Seracini presentati oggi a Firenze e frutto dello studio di fine 2011 fatto con indagini radar e una sonda endoscopica che saggiò la parete. "Sono dati incoraggianti - sostiene Seracini -. Stiamo cercando nel posto giusto".

La scoperta suggerisce che Vasari - che fu pittore ed architetto, e che venne incaricato di ristrutturare Palazzo Vecchio - potrebbe aver voluto preservare il lavoro di Leonardo erigendo una parete di fronte all'affresco di Leonardo, come a voler proteggere un'opera considerata dai suoi coevi come la più maestosa del Rinascimento. Nessun'altra parete nel Salone dei 500 presenta un vuoto come in questo caso. Inoltre il muro retrostante è senza pietre a vista come se Vasari avesse conservato l'intonaco su cui Leonardo potrebbe aver dipinto la Battaglia di Anghiari. Il team di Seracini ha operato con il supporto e la collaborazione di National Geographic, Università di San Diego e Comune di Firenze, e affiancato dalla Soprintendenza al Polo Museale fiorentino e dall'Opificio delle Pietre Dure, dopo il via libera del ministero per i Beni Culturali. "Anche se siamo ancora alle fasi preliminari della ricerca e anche se c'é ancora molto lavoro da fare per poter risolvere il mistero - è il commento di Seracini -, le prove dimostrano che stiamo cercando nel posto giusto".

La sonda endoscopica, dotata di una microcamera, venne immessa a fine 2011 in sei fori praticati nell'affresco di Vasari visibile oggi sulla parete. Seracini aveva chiesto di esplorare la parete est in 14 punti, cioé crepe e cretti naturali del muro, ma a seguito di consultazioni con gli esperti dell'Opificio, i fori dove far passare la sonda vennero ridotti a sei. "Sono fori periferici rispetto alla nostra iniziale area di interesse - sostiene ancora Seracini -. Ecco perché i risultati che abbiamo ottenuto sono particolarmente incoraggianti".

Il pigmento nero è composto in gran parte da manganese e, in parte, da ferro ed è stato individuato con analisi chimiche su materiali estratti durante i sondaggi dentro la parete est del Salone dei 500 di Palazzo Vecchio dietro cui Seracini ipotizza che ci siano resti della Battaglia di Anghiari. Trovati anche frammenti di materiale rosso, associabili a lacca. Inoltre, immagini ottenute con una sonda endoscopica mostrano uno strato beige: per i ricercatori può esser stato messo solo con un pennello.

"Nella ricerca in corso nel Salone dei Cinquecento che, è bene ribadirlo, si sta svolgendo sulla parete "giusta", il mio intervento si è sempre svolto nella salvaguardia della tutela del bene culturale e tenendo informati i vertici del Ministero per i Beni e le Attività culturali". Lo sostiene il soprintendente di Firenze, Cristina Acidini, commentando lo studio per la Battaglia di Anghiari di cui sono stati resi noti stamani i risultati dell'ultima fase della ricerca.

Acidini ha evidenziato "il coinvolgimento dell'Opificio delle Pietre Dure, che solitamente interviene solo quando è parte attiva di un determinato e condiviso programma di ricerca o di restauro, da me sollecitato e predisposto, ha incrementato il livello della tutela, assicurando alle operazioni una vigilanza assidua e competente". Inoltre ha affermato, "l'invasività del progetto è stata sicuramente molto più limitata rispetto ad altri tipi di indagini diagnostiche davvero "distruttive": in taluni casi queste comportano prelievi di micro-campioni della pittura originale. Si tratta di procedure che vengono tuttavia comunemente impiegate in Italia e all'estero nella diagnostica delle pitture su tela, su tavola e murali, senza suscitare reazioni particolari".

foto e video: National Geographic  articolo: Copyright ANSA 

Asimov, Saramago, Follett, McEwan, Houellebecq, Roth, Rushdie, Pinter, Hitchens e molti altri parlano del loro rapporto con l’idea di Dio. Un video di JPararajasingham, che ha montato diverse lezioni e interviste.

In ordine di apparizione:

1. Arthur C. Clarke

2. Nadine Gordimer

3. Professor Isaac Asimov

4. Arthur Miller

5. Wole Soyinka

6. Gore Vidal

7. Douglas Adams

8. Germaine Greer

9. Iain Banks

10. José Saramago

11. Terry Pratchett

12. Ken Follett

13. Ian McEwan

14. Andrew Motion

15. Martin Amis

16. Michel Houellebecq

17. Philip Roth

18. Margaret Atwood

19. Salman Rushdie

20. Norman MacCaig

21. Phillip Pullman

22. Matt Ridley

23. Harold Pinter

24. Howard Brenton

25. Tariq Ali

26. Theodore Dalrymple

27. Roddy Doyle

28. Redmond O’Hanlon FRSL

29. Diana Athill

30. Christopher Hitchens

Articolo apparso su"Il Post"

La notizia ormai è nota. Il fondo per l’editoria sarà rifinanziato, nuovamente e pesantemente. Doveva scendere a 47 milioni, e invece - grazie all’intervento del sottosegretario Peluffo e alla discreta moral suasion del Colle - sarà di 120 milioni. Tanti soldi, che sembrano tantissimi se pensiamo che sono soldi nostri. Quei 120 milioni diventano poi un peso davvero inaccettabile se si pensa che potevano e dovevano servire per alleggerire il carico fiscale sui lavoratori, le famiglie, le imprese e i consumatori quanto mai depressi.

E invece così non è stato, così non sarà.  Quei 120 milioni andranno ancora a finanziare i giornali, anche quelli di partito e a poco vale la rassicurazione che, questa volta, non basterà la tiratura ma bisognerà certificare i dati di vendita. Vale a poco perché la questione di principio resta: quei soldi, promessi alla causa del pluralismo informativo, aiuteranno in realtà un’industria che continuerà a rinviare ciò di cui ha bisogno, vale a dire una seria cura di ristrutturazione che prenda sul serio che gli scenari sono definitivamente cambiati.

Per essere chiari, noi de Linkiesta.it non vogliamo una lira dallo stato, lo abbiamo scritto nello statuto e i nostri “competitor” non sono quelli che vanno tutti i giorni in edicola, nemmeno se hanno una versione online particolarmente bella e funzionante. Non abbiamo interessi di parte, in questa battaglia, ma solo vorremmo rappresentare interessi diffusi che riguardano tutti i cittadini. Vorremmo discutere di principi che ci paiono razionali e condivisibili, in un momento di prolungata crisi, di fabbriche che chiudono e di imprese che non riescono a ripartire spesso anche a causa della burocrazia e del fisco. 

Non capiamo, né mai capiremo, perché sia interesse dei cittadini contribuenti che parte di quanto producono sia destinata a giornali che dichiarano di stare sul mercato, che tutte le mattine arrivano (o dovrebbero arrivare) in edicola. Il “non interesse” è particolarmente evidente quando ci si trova davanti a giornali che vendono poche migliaia (o centinaia) di copie, che aggregano attorno a sé piccole (o microscopiche) comunità di lettori, che diffondono idee magari bellissime ma che non possono essere protette coi soldi di tutti come si trattasse di specie in via di estinzione fondamentali per l’ecosistema. Non si capisce perché, poi, questi fondi vadano sempre a beneficio di chi già esiste e molto difficilmente a sostegno di nuove realtà editoriali: magari anche online che ritengano di farvi ricorso. 

Discorso non dissimile, per la verità, vale anche per le grandi corazzate dell’informazione, per i giornali che ogni giorno vendono centinaia di migliaia di copie. Anche loro sono finanziati direttamente godendo di diversi contributi diretti e di una fiscalità vantaggiosa. Perché ne hanno bisogno, visto che vendono? Perché negli anni hanno accumulato strutture mastodontiche che i cambiamenti della tecnologia o del clima culturale hanno reso insostenibili. O perché, fin da prima, hanno largheggiato in assunzioni e remunerazioni che, senza che pagasse Pantalone, non sarebbero state immaginabili.

E così, nell’epoca del rigore obbligato e di quello tante volte mostrato dal governo di Mario Monti, ci troviamo alla fine a commentare la decisione di uno stato, di un esecutivo, che consente di rinviare l’appuntamento col rigore (anche doloroso, naturalmente) che serve per prendere sul serio la realtà. E la realtà è quella di un’industria fortemente sovradimensionata rispetto alla sua capacità di mercato. Di un’industria che per stare sul mercato ha bisogno di ridimensionare i suoi numeri e di prendere sul serio quel luogo di informazione che si chiama Internet. 

Qualcuno, arrivati a questo punto, dice sempre che “il mercato” non basterà mai a sostenere i giornali. Non è vero, l’esempio de Il Fatto Quotidiano (ma anche quello della prima stagione di Libero) dimostra che stare sul mercato si può, col coraggio delle proprie idee e la forza delle proprie notizie. Altri obiettano che, col solo mercato, muore il pluralismo, e resteranno solo le testate capaci, in qualche modo, di non ribellarsi ai pensieri dominanti, o forti di un brand ereditato dal passato.

A questo argomento si potrebbe rispondere in molti modi. Ma ci fermiamo a una domanda. Che pluralismo garantisce chi, di anno in anno, deve contrattare col potere politico una “donazione” che pareggi i bilanci, o con quello economico inserzioni pubblicitarie fuori mercato? Domani, sui giornali finanziati dai nostri soldi, cercheremo con attenzione la risposta. 

E' morto Lucio Dalla. Il cantautore e' stato stroncato da un attacco cardiaco a Montreaux, in Svizzera, dove si trovava in Svizzera per una serie di concerti. Tra qualche giorno avrebbe compiuto 69 anni. Nato infatti il 4 marzo 1943 a Bologna, il cantautore aveva partecipato solo poche settimane fa all'ultimo Festival di Sanremo, con il brano Nanì insieme con il giovane cantante Pierdavide Carone. “A causare la morte di Lucio Dalla e’ stato un attacco di cuore”, confermano altre agenzie di stampa. La sua attività artistica è andata avanti per quasi cinquant’anni. Suonava clarinetto e sassofono, la sua produzione musicale ha attraversato numerose fasi, dalla stagione beat alla sperimentazione ritmica, fino alla canzone d'autore, arrivando a varcare i confini della lirica e della melodia italiana. Incredulità nel mondo dell'arte e della musica «Non è possibile, mi ha telefonato ieri sera (mercoledì, ndr), stava benissimo, ed era felice, tranquillo, divertito e in pace con se stesso» commenta attonito Roberto Serra, bolognese, amico storico di Lucio Dalla e fotoreporter di professione. Lucio Dalla infatti oltre ad essere uno dei maggiori cantautori italiani di sempre, con una carriera lunga oltre 50 anni, era anche un grossissimo collezionista ed un gallerista, ha curato infatti per anni una galleria d’arte contemporanea a Bologna, la NO CODE, sede di eventi e happening extra-musicali. La musica italiana perde un maestro.